Un artiste contemporain ne saurait se définir à partir d'un seul champ disciplinaire. Il serait par ailleurs utopique, voire dangereux, de penser qu'il pourrait, lors de sa formation, se passer d'un point d'ancrage. C'est à partir de ces deux convictions que le Baccalauréat interdisciplinaire en arts propose une structure d'apprentissage qui permet d'acquérir une solide formation de base dans une discipline artistique et l'habitude d'une pratique de cette discipline dans un cadre interdisciplinaire.
Quatre concentrations sont offertes à l'étudiant: arts numériques, arts visuels, cinéma et vidéo et théâtre. Le Baccalauréat interdisciplinaire en arts offre un enseignement de l'art riche d'une grande diversité de mouvances interdisciplinaires, ouvert sur tous les savoirs, toutes les méthodes et les approches de création et de recherche qui, dans le contexte de nos programmes, se visitent, s'entrechoquent et se nourrissent sans cesse. L'étudiant profite du contact entre les disciplines pour enrichir son regard et définir son approche. Les ateliers interdisciplinaires, les cours théoriques, sont des occasions d'examiner les divers aspects de l'interdisciplinarité dans la création et la diffusion de l'art.
Le programme exige, à la fois, de la rigueur et un esprit d'ouverture, beaucoup de curiosité et un engagement réel. C'est grâce à ces conditions que l'étudiant profitera pleinement d'un cadre pédagogique et physique (galerie, théâtre, ateliers, salles de montage, laboratoires informatiques, etc.) axé sur la création et permettant la formation d'un artiste en lien direct avec son époque et son milieu.
Notre programme, d'une durée de trois ans, vise à stimuler un dialogue pratique et théorique entre les champs disciplinaires en art. Il favorise le développement de connaissances spécifiques et diversifiées sur le plan intellectuel, technique et médiatique liées à la création et à la diffusion d'oeuvres. L'interdisciplinarité est ainsi un processus relationnel et expérientiel qui permet d'élaborer des formes d'expression artistique plus ouvertes sur les courants actuels de l'art et la poursuite d'études supérieures en art et/ou dans des domaines connexes.
Permettre l'acquisition et le développement des connaissances fondamentales permettant de situer sa démarche et sa réflexion au sein de l'art, de son histoire et des pratiques disciplinaires et interdisciplinaires.
Permettre l'acquisition et le développement des connaissances pratiques et des techniques nécessaires au développement d'une expression artistique qui profite du dialogue interdisciplinaire.
Favoriser chez l'étudiant, au moyen d'une expérience à la fois théorique et pratique, le développement d'un esprit critique et analytique face à l'évolution des pratiques artistiques et face à sa démarche créatrice ou réflexive.
Développer à la fois la capacité de réfléchir sur la pratique artistique;
La capacité de situer une démarche artistique au sein de l'histoire de l'art, de sa discipline et des pratiques interdisciplinaires;
La maîtrise des techniques propres à la discipline et la capacité d'engager le dialogue avec les autres disciplines pour développer une démarche créatrice;
Et l'autonomie et les habiletés à s'exprimer dans une discipline et au sein de pratiques interdisciplinaires.
Rendre les diplômés aptes à assumer les responsabilités de la conception, de la production, de l'analyse, de la gestion et de la diffusion des projets de création impliquant souvent plusieurs domaines de l'art et diverses techniques.
Fournir aux diplômés, grâce à cette préparation à des tâches variées, l'assurance d'une mobilité dans le champ de l'art.
Préparer les diplômés aux études supérieures.
Être titulaire d'un diplôme d'études collégiales (DEC) en Arts plastiques ou en Arts visuels et numériques (510.A0);
ouÊtre titulaire d'un diplôme d'études collégiales (DEC) en Arts Lettres ou en Arts, lettres et communication (500.A1);
ouÊtre titulaire d'un diplôme d'études collégiales (DEC) en Communication dans les médias (ATM) (589.B0);
ouTout autre diplôme d'études collégiales (DEC) en lien avec le domaine choisi dans le Baccalauréat interdisciplinaire en arts;
Avoir complété l'équivalent d'une année de formation universitaire (30 crédits) dans une discipline artistique (arts numériques, arts visuels, cinéma-vidéo ou en théâtre);
ouAvoir complété l'équivalent d'une année de formation universitaire (30 crédits) dans une autre discipline et présenter un dossier des réalisations(1).
Posséder des connaissances appropriées et une expérience pertinente, présenter un dossier des réalisations(1) .
ouÊtre titulaire d'une AEC en cinéma documentaire (NWY.0C) de l'École des métiers du cinéma et de la vidéo (EMCV) du Cégep de Rivière-du-Loup et posséder une expérience pertinente. La personne candidate qui demande une admission sur cette base doit fournir un dossier des réalisations(1). Lorsque requis, une entrevue pourra être demandée pour évaluer les connaissances appropriées. À la suite de l'évaluation, l'étudiante ou l'étudiant pourra se voir imposer un ou des cours d'appoint.
(1)Contenu du dossier des réalisations
Important : S'il s'agit de projet collectif, indiquer votre rôle dans la réalisation de l'œuvre.
NOTE : Pour toutes disciplines le document Wetransfer doit être envoyé à l'adresse sue_arts@uqac.ca . Veuillez inclure vos vidéos sous forme d'hyperlien menant à des pages Vimeo ou YouTube. Si nécessaire, inclure les mots de passe.
Ce programme n'est pas contingenté.
Les modalités et les règles qui régissent l'attestation de la maîtrise du
français telles que résumées ci-dessous, sont définies dans la Politique et la Procédure relative à la valorisation du français.
Règlement relatif aux exigences liées à l'admission pour les
candidats dont la langue maternelle n'est pas le français
Toute candidate ou tout candidat a un programme identifié, dont la langue maternelle n'est pas le français, est tenu de se soumettre au Test de français international (TFI) avant le début de son parcours universitaire à l'UQAC. Il est à noter que les candidates et les candidats en protocole d'échange provenant d'une université partenaire et dont la langue d'enseignement est le français, de même que les candidates et les candidats des Premières Nations sont exemptés de cette obligation.
Également, certaines candidates et certains candidats dont la langue maternelle n'est pas le français peuvent être exemptés de cette obligation lorsqu'ils répondent à l'une ou l'autre des exemptions prévues à la procédure ci-haut.
Règlement relatif aux exigences des compétences linguistiques de base liées à ladmission pour tous les candidats
Toute personne soumettant une demande d'admission à un baccalauréat, à un programme de certificat ou de cycles supérieurs identifiés, ou sollicitant un grade de bachelier par cumul de certificats ou de mineures, doit faire la preuve qu'elle possède les compétences linguistiques de base.
Les personnes qui se retrouvent dans les situations d'exemptions définies dans la Procédure relative à la valorisation du français sont réputées avoir fait la preuve qu'elles possèdent les compétences linguistiques de base.
Selon son dossier d'admission, le candidat ou la candidate qui n'a pas cette preuve aura à suivre le cours de français identifié par l'UQAC ou encore sera soumis à la passation du test de français institutionnel, et ce, sous réserve des modalités convenues à la procédure mentionnée ci-haut.
Les candidats internationaux réguliers seront inscrits automatiquement au cours de français identifié par l'UQAC à leur premier trimestre d'inscription. Ils auront l'obligation de réussir le cours pour faire la preuve qu'ils possèdent les compétences linguistiques de base. Seuls les candidats internationaux réguliers provenant d'un lycée français seront soumis au test de français identifié par l'UQAC.
L'admission au programme se fait aux trimestres d'automne et d'hiver.
Le programme d'études est offert à temps complet et à temps partiel.
Le cheminement de l'étudiant est ponctué de nombreux événements spéciaux de façon à mettre en valeur ses créations individuelles ou collectives: expositions collectives, projections publiques, présentations de pièces de théâtre, installations, performances, prestations publiques de tous genres et festivals des étudiants finissants. À titre d'exemple, les étudiants de la concentration théâtre participent à deux productions théâtrales d'envergure pendant leurs études. Les étudiants en arts numériques et en arts visuels exposent des travaux réalisés dans leurs cours. Les étudiants en cinéma et vidéo réalisent des courts-métrages de fiction, expérimental ou documentaire, qui sont projetés lors d'événements publics ou diffusés sur le Web. Aux cinquième et sixième trimestres, sous la supervision d'un professeur, les étudiants réalisent un projet long de création. Les projets de fin de baccalauréat peuvent se faire individuellement ou en équipes interdisciplinaires. Ces projets sont présentés dans le cadre d'un festival des finissants ou dans le cadre d'activités particulièrement publicisées.
Les six dernières semaines du dernier trimestre sont consacrées à un stage que l'étudiant fait au Québec ou à l'étranger dans un atelier d'artiste, une maison de production ou un centre de diffusion. Ce dernier trimestre leur donne ainsi deux belles occasions de se positionner face au marché du travail ou au réseau de l'art.
Le cours 7ART234 Techniques des arts médiatiques doit être suivi lors de la première année de la formation.
Le cours 7ARN238 Techniques des arts numériques des concentrations arts numériques et arts visuels doit être suivi au premier trimestre de la formation.
En vertu de l'article 87 du Règlement des études de premier cycle de l'UQ, les études collégiales techniques peuvent conduire à des reconnaissances d'acquis pour certains cours. Pour en savoir plus.
La personne candidate qui désire obtenir une reconnaissance de ses acquis sur la base de sa formation antérieure ou de son expérience professionnelle doit faire une demande au Bureau du registraire à la suite de la confirmation de son admission. Formulaire
Des ententes passerelles sont en vigueur pour ce programme.
AEC en Techniques de réalisation de films documentaires
Cette passerelle concerne les étudiantes et étudiants détenteurs d'une AEC en Techniques de réalisation de films documentaires (NWY.0C) du Cégep de Rivière-du-Loup. Elle est applicable selon les critères d'admissibilité suivants:
Dans le cadre de cette entente avec le Cégep de Rivière-du-Loup, l'Université du Québec à Chicoutimi peut reconnaître l'équivalent d'un maximum de vingt-sept (27) crédits.
Ainsi, le programme universtaire pourra être complété en deux (2) ans, inlcuant un cours d'été.
Cheminement intégré préuniversitaire - Arts, lettres et communication
Cette entente concerne les étudiantes et étudiants détenteurs du DEC préuniversitaire Arts, lettres et communications (500.A1). Les Cégeps concernés sont les suivants :
Les étudiantes et étudiants admis au cheminement intégré préuniversitaire auront la possibilité de s'inscrire, lors de leur dernier trimestre au collégial, à un cours de 3 crédits du programme de Baccalauréat interdisciplinaire en arts de l'UQAC, dont les crédits leur seront reconnus par le cégep. Le cours sera déterminé annuellement par la direction du programme en fonction de l'offre de cours.
Cheminement intégré préuniversitaire - Arts visuels
Cette entente concerne les étudiantes et étudiants détenteurs du DEC préuniversitaire Arts visuels (500.A0). Les Cégeps concernés sont les suivants :
Les étudiantes et étudiants admis au cheminement intégré préuniversitaire auront la possibilité de s'inscrire, lors de leur dernier trimestre au collégial, à trois cours de 9 crédits du programme de Baccalauréat interdisciplinaire en arts de l'UQAC, dont les crédits leur seront reconnus par le cégep.
Ce programme vient répondre aussi bien aux besoins variés de la pratique actuelle de l'art qu'à ceux d'une préparation aux études supérieures. Il rend les diplômés aptes à assumer les responsabilités de la conception, de la création, de la gestion et de la diffusion de projets de création artistique impliquant souvent plusieurs domaines de l'art et diverses techniques.Il peut aussi donner accès à des postes d'enseignant dans son champ de concentration au niveau collégial.
La concentration en arts numériques regroupe les étudiants intéressés à poursuivre une démarche d'artiste en arts numériques et médiatiques. Elle permet également de développer des compétences permettant de travailler dans le domaine de l'installation, de la programmation, de l'interactivité ou encore comme spécialiste de l'image numérique.
La concentration en arts visuels s'adresse aux étudiants intéressés à poursuivre une démarche d'artiste en peinture, en sculpture, en dessin, en graphisme et en installation. Elle permet aux étudiants de développer une pratique arrimée à la réalité de la création artistique actuelle.
La concentration en cinéma et vidéo touche les métiers du cinéma et de la production indépendante et pour le web. Elle permet de développer ou de poursuivre une démarche de réalisateur ou d'assistant-réalisateur, de monteur, de scénariste, etc. adaptée à une production indépendante et créative.
La concentration en théâtre concerne les étudiants intéressés par le jeu, la mise en scène, la conception son et lumière, la direction artistique d'une compagnie, l'animation d'atelier, etc. Elle permet d'explorer une pratique d'acteur, de metteur en scène, d'auteur, de concepteur axée sur l'exploration et l'expérimentation.
Les diplômés du Baccalauréat interdisciplinaire en arts ont normalement accès à des études de maîtrise, notamment à la Maîtrise en art (option création) de l'Université du Québec à Chicoutimi.
Le Module des arts est logé depuis septembre 1999 dans deux pavillons contigus.
Le Pavillon des arts regroupe un studio-théâtre de 250 places, à géométrie variable, équipée de herses d'éclairage motorisées, d'équipement de sonorisation et de projecteurs vidéos, une salle de répétition, la galerie d'exposition L'Oeuvre de l'autre et seize ateliers pour les étudiants de maîtrise et doctorat.
Au Pavillon principal, on trouve le secrétariat, les bureaux des professeurs, le laboratoire d'expérimentation en arts numériques équipé pour la logistique d'installation interactive, le studio d'expérimentation sonore, le studio de tournage, les salles de montage vidéo, la salle de projection, les ateliers de peinture et de dessin, les ateliers de sculpture (menuiserie, soudure, pierre et modelage). Les étudiants ont aussi accès à un parc d'équipement spécialisé (caméras vidéos, appareils photos, équipements d'éclairage, matériel de prise de son) pour leurs travaux.
Ce programme comprend quatre-vingt-dix (90) crédits répartis comme suit :
| 7ARN238 | Atelier arts numériques |
| 7ART234 | Atelier arts médiatiques |
| 7ART335 | Théories et mouvements des arts |
| 7ART350 | Atelier d'exploration interdisciplinaire |
| 7ART408 | Photographie et images numériques |
| 7ART410 | Atelier de création interdisciplinaire |
| 7ART418 | Atelier de réflexion en arts: l'interdisciplinarité via d'autres champs de savoir |
| 7ART420 | Histoire de l'interdisciplinarité |
| 7ART515 | Projet: conception 1.0 cr. |
| 7ART530 | Projet: développement 2.0 cr. |
| 7ART642 | Projet: création 6.0 cr. (7ART530) |
| 7ART654 | Stage I (7ART642) |
| 7ART662 | Gestion en arts |
| 7ART109 | Atelier expérimental d'art |
| 7ART209 | Atelier expérimental d'art II |
| 7ART309 | Atelier expérimental d'art III |
Les douze cours suivants
| 7ARN155 | Métamédia: forme et contenu |
| 7ARN161 | Création d'images numériques |
| 7ARN210 | Installation, interactivité et vidéo |
| 7ARN255 | Atelier d'art sonore |
| 7ARN333 | Théorie de la cyberculture |
| 7ARN360 | Installations hybrides |
| 7ARN366 | Atelier de production en arts numériques |
| 7ARN436 | Images grands formats |
| 7ART280 | Art action |
| 7ARV250 | Histoire de l'art: enjeux contemporains et héritage moderne |
| 7ARV255 | Sculpture et contextes |
| 7CIN513 | Cinéma expérimental et art vidéo |
Trois cours optionnels dans une autre concentration (neuf crédits) OU deux cours optionnels dans une autre concentration et un stage (neuf crédits)
| 7ART664 | Stage II (7ART642) |
Les onze cours suivants (trente-trois crédits)
| 7ARN360 | Installations hybrides |
| 7ARV109 | Arts d'impression actuels |
| 7ARV112 | Dessin I: exploration |
| 7ARV122 | Dessin II: pratique du dessin |
| 7ARV125 | Peinture I: fondements de la pratique |
| 7ARV135 | Peinture II: approfondissement de la pratique |
| 7ARV200 | Sculpture I: fondements de la pratique |
| 7ARV250 | Histoire de l'art: enjeux contemporains et héritage moderne |
| 7ARV255 | Sculpture et contextes |
| 7ARV300 | Sculpture II: approfondissement de la pratique |
| 7ARV304 | Procédés de production et de reproduction |
Un cours parmi les suivants (trois crédits)
| 7ART280 | Art action |
| 7ARV230 | Expérimentation et recherche picturale et spatiale |
Trois cours optionnels dans une autre concentration (neuf crédits) OU deux cours optionnels dans une autre concentration et un stage (neuf crédits)
| 7ART664 | Stage II (7ART642) |
Les onze cours suivants (trente-trois crédits)
| 7ARN210 | Installation, interactivité et vidéo |
| 7ART299 | Éclairage au cinéma, au théâtre et en arts visuels |
| 7CIN199 | Conception et technique du son au cinéma et au théâtre |
| 7CIN207 | Histoire du cinéma |
| 7CIN231 | Montage |
| 7CIN248 | Production audiovisuelle |
| 7CIN340 | Production et diffusion Web |
| 7CIN375 | Analyse de films |
| 7CIN411 | Jeu et direction d'acteur devant la caméra |
| 7CIN513 | Cinéma expérimental et art vidéo |
| 7THE402 | Atelier d'écriture dramatique et de scénarisation |
Un des deux cours suivants (trois crédits)
| 7CIN420 | Cinéma d'animation |
| 7CIN422 | Cinéma documentaire |
Trois cours optionnels dans une autre concentration (neuf crédits) OU deux cours optionnels dans une autre concentration et un stage (neuf crédits)
| 7ART664 | Stage II (7ART642) |
Les onze cours suivants (trente-trois crédits)
| 7ART280 | Art action |
| 7ART299 | Éclairage au cinéma, au théâtre et en arts visuels |
| 7CIN199 | Conception et technique du son au cinéma et au théâtre |
| 7CIN411 | Jeu et direction d'acteur devant la caméra |
| 7THE104 | Atelier de jeu théâtral |
| 7THE105 | Histoire de la mise en scène au théâtre |
| 7THE117 | Analyse dramaturgique du théâtre au Québec |
| 7THE130 | Atelier de création théâtrale |
| 7THE232 | Atelier de conception théâtrale |
| 7THE402 | Atelier d'écriture dramatique et de scénarisation |
| 7THE505 | Création théâtrale 6.0 cr. |
Trois cours optionnels dans une autre concentration (neuf crédits) OU deux cours optionnels dans une autre concentration et un stage (neuf crédits)
| 7ART664 | Stage II (7ART642) |
DESCRIPTION DES COURS
7ARN155 Métamédia: forme et contenu
Faire vivre le processus complet d'élaboration, d'analyse et de gestion inhérente à la création d'une oeuvre multimédia et sa translation sur le Web et dans l'espace du livre publié par ordinateur. Familiariser aux nouvelles relations entre la forme et le contenu créées lors d'une production multimédia et acquérir les habiletés nécessaires à la mise en jeu des interconnexions entre le son, l'image et le texte.
Apprentissage des principes de base reliés aux aspects multimédia de la communication: plateforme multimédia (Isadora, Max), logiciels graphiques (Adobe Photoshop), procédés d'impression (Adobe Indesign) et d'intégration Web (CMS, Indexhibit, WordPress, Joomla, Web 2.0). Expérimentation des diverses étapes du processus multimédia: ergonomie, design d'interface, intégration des «acteurs» multimédia, etc. Vérification de la capacité de transposition (hypermédia, livre, support numérique) pour une nouvelle lecture de l'oeuvre initiale. Initiation aux pratiques hypertextuelles, à leur histoire, à leurs structures, à leurs poétiques. Compréhension des modifications contemporaines de l'expérience littéraire et artistique à travers l'usage des procédés technologiques actuels.
Formule pédagogique : Atelier
7ARN161 Création d'images numériques
Connaître les principales technologies de l'information et de la communication qui permettent la création des images numériques 2D. Sensibiliser à un certain nombre de concepts relatifs à l'image numérique, que celle-ci soit de provenance optique (images photographiques) ou le résultat de calculs effectués par des ordinateurs (images vectorielles). Sensibiliser à une démarche de production artistique dans un contexte de mutations technologiques. Susciter l'intérêt pour la recherche tout en privilégiant une approche interdisciplinaire.
Apprentissage des principaux processus de création de l'image numérique à travers une série de courts projets. Expérimentation avec les logiciels de traitement d'images matricielles (Adobe Photoshop) et le logiciel de création graphique vectorielle (Adobe Illustrator). Connaissance du contexte d'émergence des arts numériques et ses enjeux afin de mieux y inscrire sa pratique. Théorisation et pratique de concepts relatifs à l'image issue des arts technologiques depuis l'avènement de l'infiltration des anciens médias par l'informatique (images numérisées i.e. la photo) et la création des formes inédites numériques.
Formule pédagogique : Atelier
7ARN210 Installation, interactivité et vidéo
Initier aux pratiques de construction et de matérialisation de l'espace dérivées de l'installation vidéo. Familiariser aux modes d'intervention vidéographique dans les processus de spatialisation et de temporalité en rapport avec diverses formes d'expressions artistiques: cinéma, arts visuels et théâtre. Étudier les principaux enjeux de la pratique et les bases techniques nécessaires à l'élaboration et à la réalisation d'œuvres interactives, installatives et/ou immersives. Familiariser au contexte historique des arts électroniques, particulièrement la vidéo, en explorant les enjeux conceptuels et processuels liés au développement des systèmes interactifs.
Réalisation de systèmes électroniques simples de plateformes de prototypage (Arduino) et apprentissage d'un environnement de programmation visuelle (TouchDesigner). Mise en situation de l'image-mouvement dans différents espaces et environnements (espace réel, réalité virtuelle). Développement de tactiques de spatialisation de la vidéo (le mapping, la caméra en tant que capteur). Réalisation de projets artistiques caractérisés par l'interactivité, l'image vidéographique, l'image infographique tridimensionnelle et l'espace. Réflexion sur l'interaction en temps réel entre l'image en mouvement, l'espace et le corps. Développement d'un discours sur le potentiel esthétique des œuvres interactives.
Formule pédagogique : Atelier
7ARN238 Atelier arts numériques
Se familiariser avec des techniques de programmation et d'électronique afin de créer des projets artistiques interdisciplinaires employant des systèmes actifs, réactifs ou interactifs en art numérique. Mettre en place des expérimentations pratiques centrées sur l'environnement de programmation Processing, langage convivial conçu par et pour les artistes et les designers propres au numérique. Initier à l'électronique numérique appliquée aux projets artistiques à travers l'apprentissage du fonctionnement des microcontrôleurs accessibles de type Arduino.
Appropriation des notions essentielles de la programmation et de l'électricité en contexte du numérique. Compréhension des applications pratiques et des principes de base de l'électronique. Expérimentations pratiques des microcontrôleurs, capteurs et actuateurs. Exploration de l'intégration de composants et circuits électroniques dans les œuvres d'art. Développement d'une habileté technique à intégrer l'interactivité, le mouvement, le son et la lumière dans des projets d'installation, de performance, de sculpture cinétique, de vidéo interactive, d'art télématique, d'art sonore, de robotique et de visualisation des données. Réflexion sur les modes et les moyens de création numérique. Développement d'une posture critique du domaine numérique basée sur un savoir-faire face aux impacts de ces technologies sur la société.
Formule pédagogique : Atelier
7ARN255 Atelier d'art sonore
Explorer les usages et les principes des pratiques d'art sonore, et leur développement pratique et théorique à l'ère numérique. Approfondir une compétence en art audio. Viser l'étude de la représentation du son à travers l'installation, l'image et les objets, ainsi que le son comme langage et ÷uvre artistique autonome. Concevoir et réaliser des travaux intégrant le son en tant que matière plastique, objet et espace.
Réalisation d'images sonores et hybrides se déployant dans l'espace et dans le temps. Déploiement du son dans l'espace à travers une recherche du traitement «en temps réel» du numérique en direct, de l'interactivité et du bricolage électronique. Développement d'habiletés conceptuelles et techniques dans la création d'÷uvres et d'outils électroniques qui caractérisent les pratiques en nouveaux médias dans l'art actuel (captation, enregistrement, échantillonnage, mixage, composition, transmission, etc.). Connaissance historique du son dans l'art et des divers aspects du phénomène sonore et électronique. Étude des notions liées à l'art sonore, à l'installation sonore, au paysage sonore, à la poésie sonore, à la musique, à la narration et à la performance sonore. Étude des relations entre les pratiques actuelles en art sonore dans le contexte des arts interdisciplinaires.
Formule pédagogique : Atelier
7ARN333 Théorie de la cyberculture
Prendre contact et réfléchir sur les nouvelles technologies de communication, de contrôle et de simulation, quand celles-ci permettent aux groupes humains de mettre en commun leurs imaginaires et leurs savoirs. Prendre la mesure de l'expérience humaine à une époque où la connectivité et la mondialisation culturelle nous précipitent dans un espace-temps cybernétique. Réfléchir sur la relation de l'homme à cet univers complexe en interrogeant les œuvres d'art technologique qui mettent l'emphase sur l'expérience du temps, des identités, du multisensoriel, etc. Identifier les concepts de la cyberculture (espace, lien.) qui s'emparent de l'expérience sensible pour y trouver les métaphores qui nous aideront à manipuler de vastes et complexes accumulations de codes et d'informations.
Réflexion sur la redéfinition actuelle du corps et de l'expérience cognitive, de l'image et de l'information, dans notre société technologique. Ce que nous constatons dans la recherche-création en art et technologie, et aussi dans les productions de la cyberculture en général. Nouveaux courants théoriques (médiologie, mémétique, syncrétisme, biosémiotique.) et nouveaux imaginaires du rapport de l'homme à la machine (technochamanisme, univers-ordinateur, .). Approches de la cyberculture dans le cinéma, la vidéo et les formes d'art électronique: images immersives, environnements interactifs, art réseautique, etc.
Formule pédagogique : Cours Magistral
7ARN360 Installations hybrides
Explorer les effets d'hybridation obtenus par la création d'environnements qui conjuguent le réel et le virtuel. Approfondir un certain nombre de problèmes plastiques liés à la création d'œuvres cinétiques et robotiques liées aux systèmes de contrôle ou des interfaces interactives. Utiliser des systèmes de contrôle électroniques, mécaniques et informatiques qui seront mis en réseau dans différents contextes.
Apprentissage des utilisations de microcontrôleurs; intégration de périphériques matériels liés à la programmation de dispositifs interactifs et cinétique. Expérimentation avec les systèmes d'impression 3D et les mécanismes de mouvement (moteur et engrenages). Réflexion sur l'ubiquité, l'informatique omniprésente adaptée aux objets, à l'espace et à l'IdO (Internet des objets). Création de dispositifs de contrôle ou d'interfaces interactives. Connaissance des microcontrôleurs (Arduino) et des plateformes de programmation Processing et/ou TouchDesigner.
Formule pédagogique : Atelier
7ARN366 Atelier de production en arts numériques
Conçu comme un laboratoire de recherche interdisciplinaire, cet atelier vise la réalisation d'une œuvre d'envergure en arts numériques. L'étudiante ou l'étudiant sera invité à produire une œuvre qui sert à concrétiser les acquis d'apprentissage par la création d'un projet dont la nature aura été préalablement discutée avec la personne assurant la supervision.
Participation à toutes les étapes de production: conceptualisation, idéation, programmation, création de médias, mise en espace. Mise en relation de l'œuvre avec l'espace physique et virtuel: intégration architecturale, in situ, site spécifique, etc. Mise en relation de l'œuvre avec le temps physique et virtuel: œuvre éphémère, œuvre en processus, œuvre générative, etc. Mise en forme des apprentissages par la réalisation d'un projet. Élaboration d'un retour réflexif sur le travail de création.
Formule pédagogique : Projet
7ARN436 Images grands formats
Permettre l'approfondissement du langage artistique en combinant photographie, image numérique et typographie (point de vue, cadrage, durée, lumière). Amener au dépassement des frontières dimensionnelles de l'image afin d'ouvrir l'expérience photographique à d'autres pratiques artistiques, dont celle de l'affiche. Parfaire les connaissances en regard des procédés d'impression artistique et de pré-presse industrielle.
Apprentissage et expérimentation des procédés photographiques et numériques de grand format. Analyse et réflexion sur la photographie et l'image numérique comme moyen de création. Utilisation de l'image photographique comme matière première à la création, laquelle fait appel également à d'autres médiums, dont la typographie. Exploration de nouvelles voies de travail.
Formule pédagogique : Atelier
7ART109 Atelier expérimental d'art
Permettre à l'étudiant en arts, ayant acquis des connaissances jugées suffisantes, d'expérimenter de nouvelles problématiques sous la direction d'un artiste de renommée.
Dans un premier temps, l'artiste expose et situe sa propre démarche de création. Suit une période d'échanges et d'interrogations où l'étudiant se met en situation face à l'artiste.
Formule pédagogique : Atelier
7ART209 Atelier expérimental d'art II
Permettre à l'étudiant en arts, ayant acquis des connaissances jugées suffisantes, d'expérimenter de nouvelles problématiques sous la direction d'un artiste de renommée.
L'artiste expose et situe sa propre démarche de création; il suit une période d'échanges et d'interrogations où l'étudiant se met en situation face à l'artiste. Le professeur détermine un champ d'expérimentation et offre un ensemble de propositions de travail. L'étudiant identifie et mène à terme un projet sous la supervision du professeur.
Formule pédagogique : Atelier
7ART234 Atelier arts médiatiques
Initier aux différentes esthétiques tant visuelles que sonores générées par les dispositifs à l'origine des arts médiatiques. Se familiariser avec les techniques et les technologies de la photographie numérique, de l'enregistrement vidéo et sonore. Mettre en pratique les technologies de captation et les logiciels de post-production utilisés dans le cadre de plusieurs cours du programme.
Appropriation des techniques essentielles des appareils photographiques, caméras vidéo et appareils d'enregistrement sonore ; introduction aux nombreux formats ou standards pour l'image matricielle, la vidéo et le son numérique. Développement de la connaissance des outils techniques par des projets de création ; acquisition des compétences techniques et créatives des technologies des arts médiatiques. Compréhension des pratiques de photographie numérique et optimisation de l'image (Adobe Camera Raw), de la Captation vidéo, techniques d'éclairage et enregistrement sonore ; montage vidéographique (Adobe Première) et mixage sonore (Reaper). Survol historique des dispositifs de production d'images, des artistes les utilisant et de leur place dans l'art actuel.
Formule pédagogique : Atelier
7ART280 Art action
Mettre en valeur le rapport hybride entre le corps, l'objet et le contexte dans des actions à caractère interdisciplinaire. Représenter le corps comme médium artistique et zone d'expression d'enjeux individuels et collectifs. Favoriser les expressions et manifestations artistiques qui intègrent une diversité de médiums dans une dimension performative. Considérer un corpus diversifié et représentatif de l'art action depuis le XXe siècle. Analyser des notions telles que situation, action, intervention, résistance, transgression, infiltration, occupation, simulation.
Compréhension des pratiques spatiotemporelles qui explorent la relation et l'interactivité en art action. Découverte des modifications qui découlent de notre expérience proprioceptive, extéroceptive et kinesthésique. Conception de l'action du corps depuis son contexte naturel et culturel : canal et moyen expressif en interaction avec un environnement. Exploration des relations entre divers dispositifs de type physique et numérique présents dans les arts vivants, les arts visuels et médiatiques. Développement d'un positionnement artistique.
Formule pédagogique : Atelier
7ART299 Éclairage au cinéma, au théâtre et en arts visuels
Familiariser aux principaux éléments de la théorie de la lumière et faire l'apprentissage des outils et des techniques de base en vue de leurs applications au théâtre, au cinéma et en arts visuels. Concevoir un éclairage avec un logiciel et programmer les consoles d'éclairage utilisant le protocole DMX (LXBeams, EOS Lighting, etc.). Rendre apte à concevoir et à réaliser des éclairages sur différentes plateformes en respectant les exigences techniques des disciplines. Faire découvrir et expérimenter la complémentarité des techniques d'éclairage avec d'autres dimensions créatives des arts visuels, du théâtre et du cinéma (direction photographique, scénographie, mise en scène, arts visuels, installation).
Théories de la lumière (caractéristiques de la lumière à la production et à la projection). Dynamisme de la lumière. Théorie des couleurs (conception, reproduction et perception). Outils de base (matériel d'éclairage, sources, gels et filtres). Supports d'enregistrement et contextes de diffusion. Techniques de base (sources, couleurs, températures, intensité, combinaison, effets). Production, réalisation et critique d'éclairages pour les arts visuels, le théâtre, le cinéma et la vidéo en fonction des choix de création.
Formule pédagogique : Atelier
7ART309 Atelier expérimental d'art III
Permettre à l'étudiant en arts, ayant acquis des connaissances jugées suffisantes, d'expérimenter de nouvelles problématiques sous la direction d'un artiste de renommée.
L'artiste expose et situe sa propre démarche de création. Suit une période d'échanges et d'interrogations ou l'étudiant se met en situation face à l'artiste. Le professeur détermine un champ d'expérimentation et offre un ensemble de propositions de travail. L'étudiant identifie et mène à terme un projet sous la supervision du professeur.
Formule pédagogique : Atelier
7ART335 Théories et mouvements des arts
Survoler les principales approches théoriques en art: les auteurs, les courants de pensée, les concepts fondamentaux (subjectivation, réception, symbolique, autopoeïsis, synesthésie, relationnel, déconstruction, agency, etc.). Appliquer ces approches dans l'analyse des mouvements artistiques et interroger la démarche de création. Démontrer l'importance de ces théories et mouvements dans le développement des œuvres récentes (in situ, installation, film, photo, vidéo, performance, hypermédias, art réseau, art environnemental, etc.), des pratiques interdisciplinaires et des médiations culturelles. Développer la réflexion critique, le questionnement éthique, l'analyse sociopolitique. Aiguiser la capacité de reconnaître le contexte historique en regard des paradigmes, de décoder les visées esthétiques et poétiques des pratiques contemporaines. Reconnaître les discours et les stratégies de représentation qui sont au fondement de l'épistémè d'un mouvement.
Initiation à la production des œuvres et à la critique d'art à travers l'examen d'une diversité de théories sous-jacentes: la psychanalyse, le poststructuralisme, la philosophie de l'art, les sciences cognitives, la sociologie de l'art, la médiologie, les études culturelles et postcoloniales, l'esthétique relationnelle et la transdisciplinarité. Examen des mouvements artistiques apparus en réaction au modernisme et à la critique de la représentation, au postmodernisme, à l'altermodernisme, à la surmodernité, au posthumain, Contextualisation de ces mouvements à partir de questions relatives au corps et au «gender», aux narrativités et au spectacle, à la relation au public et aux formes d'engagement. Approches de ces discours à travers une problématique choisie.
Formule pédagogique : Cours Magistral
7ART350 Atelier d'exploration interdisciplinaire
Démontrer les formes permettant d'appréhender divers modes d'interdisciplinarité. Mettre en pratique et explorer à partir d'exercices dirigés différentes dimensions interdisciplinaires: solo, duo, collective. Évaluer la diversité des pratiques interdisciplinaires, concevoir plusieurs expérimentations de manière autonome et les présenter dans le cadre du cours.
Exploration des notions connexes à celle d'interdisciplinarité (interartialité, intermédialité, mono, pluri, multi et transdisciplinarité) à travers des exercices; expérimentation de modes de collaboration; organisation de rencontres ponctuelles et partielles entre les activités d'enseignement Atelier d'exploration interdisciplinaire et Atelier de création interdisciplinaire.
NOTE: Les formations en sécurité (utilisation des ateliers, produits chimiques, etc.) sont données dans le cadre de l'atelier interdisciplinaire.
Formule pédagogique : Atelier
7ART408 Photographie et images numériques
Transmettre une connaissance de base du matériel et des processus photographiques ainsi que leurs applications, et ce, à partir de techniques traditionnelles et numériques. Initier aux connaissances fondamentales de l'esthétique photographique.
Survol historique et analyse esthétique du rôle de la photographie. Utilisation et maîtrise des différentes composantes de l'appareil photo d'aujourd'hui. Apprentissage des logiciels du traitement de l'image numérique. Réalisation de projets photographiques et d'images numériques en relation avec d'autres moyens de production.
Formule pédagogique : Atelier
7ART410 Atelier de création interdisciplinaire
Expérimenter des formes permettant d'appréhender divers modes d'interdisciplinarité. Approfondir à partir d'exercices dirigés différentes dimensions interdisciplinaires: solo, duo, collective. Concevoir et produire une création en regard d'une compréhension de la diversité de la pratique interdisciplinaire. Présenter la création dans le cadre du cours. Favoriser les liens avec le milieu professionnel.
Exploration des notions connexes à celle d'interdisciplinarité (interartialité, intermédialité, mono, pluri, multi et transdisciplinarité) à travers des exercices. Expérimentation de modes de collaboration; organisation de rencontres ponctuelles et partielles entre les activités d'enseignement Atelier d'exploration interdisciplinaire et Atelier de création interdisciplinaire. Création et présentation d'une production interdisciplinaire. Création de liens avec le milieu professionnel.
Formule pédagogique : Atelier
7ART418 Atelier de réflexion en arts: l'interdisciplinarité via d'autres champs de savoir
Susciter et approfondir une réflexion sur l'art et le rôle de l'artiste dans notre société sous le regard d'un spécialiste. Identifier et approfondir les outils d'analyse et les théories d'une discipline extérieure au domaine des arts. Analyser une approche disciplinaire et conceptuelle sous l'angle de champs disciplinaires spécialisés et diversifiés. Stimuler en atelier un travail de réflexion sur les arts et les pratiques artistiques.
Initiation aux concepts et théories d'un champ disciplinaire extérieur au domaine des arts: la philosophie, la sociologie, les sciences. Découverte d'outils d'analyse et de concepts questionnant les relations d'idéalisation, de communication ou de consommation de l'art et de l'artiste. Réflexion critique d'une pratique, d'une discipline via d'autres champs de savoir.
NOTE:Cet atelier est offert sous la forme d'une invitation faite à un spécialiste, choisi sur la base de la reconnaissance par ses pairs, de ses publications, de sa recherche théorique et/ou sa recherche-création.
Formule pédagogique : Atelier
7ART420 Histoire de l'interdisciplinarité
Étudier l'évolution historique du concept d'interdisciplinarité dans le contexte de la pratique artistique. Reconnaître le rôle de la collaboration interdisciplinaire dans la création contemporaine, lorsque plasticiens, programmeurs, designers, scénographes, architectes, et autres personnes issues de diverses disciplines, travaillent ensemble à la réalisation d'une ÷uvre ou d'un événement. Voir comment les disciplines artistiques (peinture, sculpture, design, architecture, musique, cinéma, théâtre, arts numériques, danse) et extra-artistiques se stimulent entre elles et se combinent. Contre l'isolement des arts contemporains, et la spécialisation dans la recherche, étudier l'évolution historique du concept d'interdisciplinarité et le rattacher aux mutations d'une société de plus en plus complexe et métissée. L'ouverture vers la société donne lieu à des ÷uvres collaboratives, des ÷uvres hybrides, des ÷uvres interculturelles; elle propose une indistinction entre l'art et l'intervention urbaine, la médiation culturelle, le travail social, l'activisme politique, la veille écologique, etc.
Les approches théoriques (Kuhn, Foucault, Morin, Nicolescu, Ascott, Bourriaud, etc.) visant à comprendre l'interdisciplinarité comme phénomène inscrit dans le contexte des pratiques artistiques actuelles où la contemplation laisse place au dialogue et l'échange. Exploration des notions connexes à celle d'interdisciplinarité: interartialité, intermédialité, pluri, multi et transdisciplinarité; les mutations esthétiques et les enjeux épistémologiques issus des relations de complémentarité entre les disciplines. Au confluent de l'esthétique et de la réflexion sur les paradigmes, à partir d'analyses des ÷uvres, prendre la mesure de l'expérience humaine à une époque où les technologies électroniques et l'explosion des réseaux multimédias nous précipitent dans un nouvel «espace-temps». Exploration de ces paradigmes et expériences à travers une problématique choisie; développer une connaissance du programme interdisciplinaire en arts et une position à l'égard de son cheminement individuel et collectif.
Formule pédagogique : Cours Magistral
7ART515 Projet: conception
Concevoir dans une première phase le projet de fin d'études concrétisant les acquis d'apprentissage. Développer la démarche créative et pratique initiant le projet. Identifier les objectifs généraux et spécifiques du projet en lien avec le programme d'études poursuivi. Développer une réflexion critique sur le projet et la démarche à suivre.
Définition initiale du projet de fin d'études et de ses objectifs généraux. Articulation de la démarche artistique, des intentions conceptuelles, techniques et organisationnelles. Présentation du projet annoncé.
Formule pédagogique : Projet
7ART530 Projet: développement
Concrétiser dans une seconde phase les étapes de développement du projet supervisé. Réajuster les besoins matériels (outils techniques, matières, coûts, lieux de travail et lieux de présentation), humains (équipe, soutien d'expert, technicien...), organisationnels (calendrier) afin de mieux structurer le projet artistique.
Définition concrète du projet. Planification des étapes nécessaires à la réalisation du projet, étapes qui constituent la mise en forme et le transfert des apprentissages antérieurs.
Formule pédagogique : Projet
7ART642 Projet: création
Dans une troisième et dernière étape du projet, créer, présenter et médiatiser un projet témoignant des acquis antérieurs d'apprentissage. Réaliser le projet dans le cadre plus large, esthétique, historique, sociologique auquel il appartient. Effectuer un retour critique sur le projet et la démarche qui le fonde.
Réalisation, seul ou en petit groupe, d'un projet long qui constitue une mise en forme des apprentissages antérieurs. Approfondissement du champ du projet dans un ou plusieurs secteurs des arts en accord avec le superviseur. Identification de concert avec le superviseur du type de soutien désiré de la part d'un conseiller spécialiste. Finaliser le projet en termes artistiques et médiatiques. Présentation publique.
Préalable(s): (7ART530)
Formule pédagogique : Projet
7ART654 Stage I
Amener à vivre une expérience concrète par l'application ou l'approfondissement de ses connaissances soit dans un contexte réel, soit dans un contexte d'intégration à des projets para-pédagogiques liés à la présence de l'art à l'Université.
Stage de trois semaines dans un milieu approprié à l'application des connaissances acquises dans le programme, milieu stimulant l'apprentissage d'attitudes et d'interventions nouvelles. L'étudiante ou l'étudiant est invité à compléter son stage dans la région, ou ailleurs au Québec ou encore, dans des milieux diversifiés: autres universités, ateliers spécialisés, ateliers d'artistes, compagnies de théâtre, compagnies de production vidéographique ou cinématographique, lieux de diffusion et d'édition, organismes du secteur design, événements artistiques ponctuels, etc. Dans le cas où le stage devait être réalisé à l'Université même, la personne étudiante devra assumer toutes les responsabilités reliées à la réalisation du stage sans le support que l'Institution accorde normalement dans les activités de cours. Tout projet de stage doit recevoir l'approbation de la direction de l'unité.
Préalable(s): (7ART642)
Formule pédagogique : Stage
7ART662 Gestion en arts
Acquérir des connaissances pour amener l'étudiant à construire des stratégies de médiation artistique et culturelles dans le but de développer une approche professionnelle de création après les études en sachant structurer sa carrière artistique. Connaître les systèmes publics et privés supportant la création, la gestion financière des artistes, le marché et la diffusion de l'art dans des disciplines aussi variées que les arts plastiques, le cinéma, la vidéo, le théâtre et les arts numériques. Rencontrer les organismes et les acteurs du milieu.
Stratégies de promotion et de communication: dossier de présentation, portfolio, curriculum vitæ, entrevue, démarche de mobilisation du milieu. Stratégies de recherche d'emploi. Les structures publiques et privées supportant la création (réseau de création et de diffusion, système philanthropique et mécénat, campagne de financement, recherche de commanditaires). Les regroupements d'artistes (centres d'artistes, regroupement et syndicats). Les événements nationaux et internationaux (biennales, triennales, foires, festivals). Les droits et responsabilités de l'artiste (contrat, droit d'exposition, droit d'auteur). Les stratégies de démarrage d'entreprises (réseau de contacts, financement, étude de marché, plan d'affaires, plan de communication, planification stratégique). La gestion financière des artistes (statut fiscal, comptabilisation des revenus et des dépenses, impôt sur le revenu, dons d'œuvres, taxes de vente). Rencontre avec les organismes et les acteurs du milieu.
Formule pédagogique : Cours Magistral
7ART664 Stage II
Amener à vivre une expérience concrète par l'application ou l'approfondissement de ses connaissances soit dans un contexte réel, soit dans un contexte d'intégration à des projets para-pédagogiques liés à la présence de l'art à l'Université.
Stage de trois semaines d'une durée de 105 heures à temps plein ou à temps partiel dans un milieu approprié à l'application des connaissances acquises dans le programme, milieu stimulant l'apprentissage d'attitudes et d'interventions nouvelles. L'étudiante ou l'étudiant est invité à compléter son stage dans la région, ou ailleurs au Québec ou encore, dans des milieux diversifiés: autres universités, ateliers spécialisés, ateliers d'artistes, compagnies de théâtre, compagnies de production vidéographique ou cinématographique, lieux de diffusion et d'édition, organismes du secteur design, événements artistiques ponctuels, etc. Dans le cas où le stage devait être réalisé à l'Université même, la personne étudiante devra assumer toutes les responsabilités reliées à la réalisation du stage sans le support que l'Institution accorde normalement dans les activités de cours. Tout projet de stage doit recevoir l'approbation de la direction de l'unité.
Préalable(s): (7ART642)
Formule pédagogique : Stage
7ARV109 Arts d'impression actuels
Rechercher et découvrir les grands principes de l'estampe traditionnelle et de l'infographie d'art en insistant sur la dimension de la contrainte et du hasard, de l'essai et de l'erreur, lorsque le processus de création de l'image est intimement lié au processus de sa reproduction mécanique ou numérique. Explorer la mise en oeuvre de l'image, de ses états intermédiaires, en regard de son résultat final, dans une succession d'épreuves selon les possibilités des moyens d'impression actuels.
Réalisation d'épreuve, monotype ou multiple, selon différents procédés: pointe-sèche, xylographie, linogravure, sérigraphie. Copi(e)graphie et fabrication d'éléments d'impression, découverte des effets d'encrages, etc. Apprentissage des impressions manuelles, mécaniques, numériques, sur papier ou autres supports. Présentation du tirage: épreuves numérotées, album, livre d'artiste.
Formule pédagogique : Atelier
7ARV112 Dessin I: exploration
Maîtriser une démarche propre au dessin. En fonction des capacités imaginatives et perceptuelles, explorer les matériaux, les techniques, la composition et le langage reliés au tracé manuel.
Entraînement à une perception de l'être et de l'objet dans des formes de langage graphique comme le croquis, le dessin d'observation, d'analyse, etc. Exploitation et exploration des marques de l'individualité par des exercices de transmission culturelle et de formation artistique, perception et travaux d'éveil, sensibilisation à l'art, aux trouvailles de l'imagination, etc. Personnalisation des réponses à des stimulants thématiques de nature perceptuelle ou conceptuelle en regard d'une mémorisation accrue et d'une production significative de travaux reliés aux phénomènes de l'art, du dessin et de l'expression intime.
Formule pédagogique : Atelier
7ARV122 Dessin II: pratique du dessin
Sur la base de travaux produits en atelier, apprendre les moyens d'une pratique inventive du dessin.
Expérimentation variée du format, de la surface et des matériaux, rapport personnel et actualisation des modes d'expression du dessin, travaux sur les procédés et les dispositifs d'invention de gestes, de traces et d'empreintes, recherche de singularité à travers le détail et la standardisation, exercice de créativité et d'analogie du dessin avec les autres arts, évaluation en fonction de la mise en œuvre créative des découvertes personnelles.
Formule pédagogique : Atelier
7ARV125 Peinture I: fondements de la pratique
Acquérir des connaissances et des habiletés d'agencement des matériaux spécifiques à la peinture en vue de la formation du discours pictural.
Information théorique et pratique sur les problèmes de matière et de forme en peinture. Identification et exploration des divers médiums et procédés favorisant l'apprentissage pictural. Découverte et exploration des connaissances fondamentales du langage pictural ainsi que des conventions qui lui sont inhérentes. Étude de l'ordonnance des formes, usage de l'analogie, contrôle des effets, recherche des interprétations, approfondissement des observations tirées de la pratique. Pratique intensive de la couleur, approche intuitive, expérimentation et analyse des caractéristiques physiologiques de la couleur. Utilisation de subjectiles variés pour la représentation de l'espace.
Formule pédagogique : Atelier
7ARV135 Peinture II: approfondissement de la pratique
Approfondir sa pratique picturale en fonction des connaissances acquises et de la découverte progressive de ses capacités personnelles d'organisation d'une surface picturale.
Apprentissage de techniques ou de médiums spécifiques en rapport avec les besoins d'expression picturale de l'étudiant. Étude de la planéité du tableau et des moyens de la transgresser. Mise en relation des modes de présentation et de représentation: les possibilités conséquentes. Esprit de recherche, de réflexion et choix personnels. Examen de la pratique picturale de l'étudiant en fonction de son contexte culturel.
Formule pédagogique : Atelier
7ARV200 Sculpture I: fondements de la pratique
Développer un vocabulaire formel plus personnel en précisant son choix de matériaux et de techniques. Sensibiliser à la fonction de la sculpture dans le champ de l'art, dans la société et dans l'environnement.
Développement de la capacité de l'étudiant à s'approprier des thèmes en sculpture et à délimiter son propre champ de travail. Réalisation de projets favorisant l'expérience du choix de matériaux et de techniques. Sensibilisation aux qualités tactiles et visuelles des matériaux et aux relations des volumes et des vides. Expérimentation de certaines fonctions de la sculpture et de certains rapports qu'elle entretient avec d'autres formes d'art, de même qu'avec la société et l'environnement. Étude de différentes démarches artistiques impliquant des rapports divers entre la sculpture et l'environnement physique et social.
Formule pédagogique : Atelier
7ARV230 Expérimentation et recherche picturale et spatiale
Découvrir et faire l'expérimentation d'un certain nombre de problèmes plastiques liés aux propriétés de la forme, de l'espace, du plan et de la couleur.
Réalisation de projets favorisant l'association étroite de démarches bidimensionnelles et tridimensionnelles. Utilisation d'acquis antérieurs et formulation de nouvelles propositions de recherche devant tenir compte d'une interrelation entre la deuxième et la troisième dimension. Dans l'atelier, les étudiants mettent en commun leur expérience et peuvent s'associer pour la réalisation d'un projet spécifique.
Formule pédagogique : Atelier
7ARV250 Histoire de l'art: enjeux contemporains et héritage moderne
Développer la capacité de reconnaître la dimension plastique, les enjeux théoriques et les antécédents historiques des œuvres contemporaines. Reconnaître dans l'œuvre une tension entre subjectivité et rationalisation, entre expérimentation et réalisme, entre particularisme et tendance à l'universel. Sensibiliser à l'œuvre en tant que commentaire sur ses conditions de possibilités dans le présent: l'artiste moderne a le devoir de refléter le monde actuel, dans ce qu'il a de transitoire et de contingent, tout en assurant la transmission des traditions. Reconnaître en quoi le moderne, qui exige l'innovation et peut user de la provocation, est devenu un héritage. Appliquer ces notions théoriques sur une production.
Approfondissement de la tension entre la culture visuelle contemporaine et l'héritage de la modernité dans ses différents mouvements (cubisme, futurisme, Bauhaus, fluxus, etc.), à partir de ses créateurs majeurs (Duchamp, Kandinsky, Eisenstein, Cézanne, etc.) et ses théoriciens (Benjamin, Adorno, Malevich, Bergson, etc.). Compréhension de la modernité en tant qu'organisation sociale à laquelle nous devons la place de l'art et aussi l'importance de la culture visuelle en général. Reconnaissance de la tension dans le moderne entre la nécessité d'être de son temps, de tenir compte des avancées technologues, d'inscrire notre nouveau rapport à la nature, et tout à la fois d'affirmer un idéal d'émancipation universelle. Analyses d'oeuvres choisies pour leur représentativité dans un spectre large de la production contemporaine, aussi bien en peinture et sculpture, en cinéma et théâtre, en architecture et en danse, en photographie et littérature, afin de mettre en évidence leurs filiations historiques et épistémologiques.
Formule pédagogique : Magistral et/ou formation à distance
7ARV255 Sculpture et contextes
Expérimenter la problématique de l'espace par des travaux éphémères ou permanents en sculpture liés à la nature et à l'architecture. Initier à la notion d'art environnemental par l'étude des principales théories et des concepts développés par des artistes et auteurs depuis le début du siècle.
Initiation à l'art in situ, à l'art en contexte réel, au paysagisme d'art, au land art et à l'intégration des arts à l'architecture. Analyse comparée de diverses pratiques environnementales contemporaines liées aux notions de sculpture, d'architecture et de nature avec certaines théories ou concepts développés par des artistes et des auteurs. Formalisation et représentation visuelles au moyen d'éléments naturels et d'artifices assemblés ou construits. Expérimentation des limites et des contraintes physiques, techniques et financières, liées à la réalisation d'une oeuvre environnementale éphémère ou permanente. Conception et réalisation de documents témoins de l'oeuvre. L'utilisation des acquis antérieurs pour tenter de répondre de façon personnelle à la problématique d'intégration de l'oeuvre à un lieu spécifique.
Formule pédagogique : Atelier
7ARV300 Sculpture II: approfondissement de la pratique
Approfondir la pratique sculpturale en fonction des connaissances acquises et de la découverte progressive de ses capacités personnelles d'organisation d'une forme sculpturale.
Apprentissage des matières et des techniques spécifiques en rapport avec les besoins d'expression sculpturale de l'étudiant. Étude des formes et des volumes et des moyens de les assembler ou de les associer. Mise en relation des modes sculpturaux avec l'espace autonome, l'espace architectural ou naturel. Esprit de recherche, de réflexion et choix personnels. Examen de la pratique sculpturale de l'étudiant en fonction de son contexte culturel.
Formule pédagogique : Atelier
7ARV304 Procédés de production et de reproduction
Familiariser à un large éventail de techniques et de matériaux par lesquels l'étudiant peut exprimer son langage artistique. Aborder ces matériaux sous l'angle de l'expérimentation et de la recherche. Développer les compétences techniques liées aux procédés de modelage et de moulage. Développer un esprit d'analyse face aux enjeux esthétiques liés à ces techniques, autant dans l'histoire de l'art que dans l'art actuel.
Expérimentation et apprentissage des matériaux figeant et des techniques propres à chacun d'eux. Exploration des techniques de modelage, de façonnage, de moulage, de fabrication et de reproduction de prototypes. Considération des fonctions de ces techniques, des enjeux qu'elles soulèvent dans une production sculpturale actuelle. Application de ces connaissances à travers des exercices courts et des projets soutenus.
Formule pédagogique : Atelier
7CIN199 Conception et technique du son au cinéma et au théâtre
Intégrer et développer des connaissances relatives aux outils et techniques de base du son au cinéma, au théâtre et en installation, en faire l'expérience pratique (conception et création) et l'analyse critique.
Eléments de théorie du son au cinéma, au théâtre et en installation (pouvoir du son, le son comme objet de l'acoustique, questions de perception sonore, description et classement des sons); apprentissage d'outils et de techniques de base (prise de son, construction sonore en direct et enregistrée, montage sonore, logiciels de sons); conception et création de travaux sonores au cinéma, au théâtre ou en installation (matière sonore: voix, bruits, musique, silence; scènes sonores, objets sonnants, paysages sonores, personnages sonores; le couplage audio-visuel); analyse de films, de productions théâtrales et d'installation du point de vue du montage sonore.
Formule pédagogique : Atelier
7CIN207 Histoire du cinéma
Initier à la naissance du cinéma et à l'évolution de son langage dans ses relations sociales et esthétiques en regard des différents mouvements et courants idéologiques, politiques, économiques et artistiques. Couvrir les différentes manifestations du cinéma à travers son histoire. Mettre en relief les nouvelles approches théoriques de l'histoire du cinéma comme science, comme relecture des mouvements cinématographiques classiques.
Naissance du cinéma dans son rapport historique à la peinture, à la photographie et aux arts populaires de la fin du XIXe siècle. Développements du langage cinématographique à partir de 1908, et ce, jusqu'à aujourd'hui, dans sa relation au théâtre, à la littérature et les divers mouvements artistiques qui ont marqué son histoire. La mobilité de ses points de vue, la relecture définitoire de ses mouvements, la survivance de ses images dans le cinéma actuel, la signification de ce cinéma dans le contexte audiovisuel et numérique d'aujourd'hui. Relations des diverses périodes cinématographiques à l'histoire sociale et politique. Une histoire de la production et de la réception des films en ayant comme perspective critique une analyse des diverses représentations culturelles, sexuelles, ethniques comme discours dominant dans l'institution cinématographique.
Formule pédagogique : Cours Magistral
7CIN231 Montage
Initier aux théories et aux pratiques du montage dans l'histoire du cinéma. Faire approfondir ces notions de montage en cinéma et en vidéo par la pratique. Lier les savoirs techniques à une réflexion esthétique : les effets du montage sur la perception, le sens, le récit et le spectateur. Amener à la compréhension des diverses étapes du montage dans la production d'un film ou d'une vidéo.
Étude des principales conceptions et utilisations du montage au cinéma et en vidéo, au plan narratif classique et au plan de ses diverses expérimentations. Connaissance des grands fondements de la pensée du montage de l'image en mouvement : Griffith, Eisenstein, Vertov, Poudovkine, Epstein, Renoir, Welles, Rossellini, Godard, Resnais ainsi que les nouvelles esthétiques du montage issues de l'art vidéo et du cinéma numérique. Principaux aspects théoriques : intermittence, intervalle, continuité-discontinuité, transparence-opacité, rapports avec le son. Expérimentation du montage en cinéma et en vidéo au niveau des différentes étapes de la production en cours : scénarisation, découpage technique, tournage, prise de vue et prise de son, montage de l'image et du son, mixage et étalonnage. Initiation aux logiciels de montage.
Formule pédagogique : Atelier
7CIN248 Production audiovisuelle
Initier aux principes théoriques et aux techniques de base en cinéma et en vidéo. Analyser le film, la mise en scène et la mise en images. Expérimenter toutes les étapes de création et de réalisation d'une production cinématographique ou vidéographique dans son plein aspect de création et d'inventivité. Maîtriser la terminologie du langage audiovisuel et du travail de réalisation. Identifier certaines spécificités techniques esthétiques et langagières en cinéma et en vidéo.
À travers un ensemble de cours théoriques et d'exercices pratiques appuyés sur le cinéma de fiction et documentaire, l'étudiant explore la conception d'un projet audiovisuel, la mise en scène en cinéma et en vidéo, les aspects techniques, la logistique d'un tournage, les principes de base régissant la prise de vue et son montage. Les exercices initient les étudiants à la création d'un projet vidéographique ou filmique, de sa conception à sa réalisation et sa diffusion. Réflexion critique et esthétique à l'occasion d'analyses et de retours critiques sur les productions.
Formule pédagogique : Atelier
7CIN340 Production et diffusion Web
Développer une connaissance de la production médiatique audiovisuelle pour le Web (vidéographique, photographique et sonore) et de sa plateforme de diffusion. Initier aux spécificités langagières et techniques de la production audiovisuelle pour le Web. Initier au développement de projet multimédiatique (fiction ou documentaire) pour le Web.
Initiation à la production médiatique pour le Web à travers ses expérimentations, ses formes langagières et ses courants esthétiques qui parcourent son développement. L'analyse dialogique permet à l'étudiant de penser la dépendance qu'entretient la production Web avec les autres médias et l'autonomisation des formes de production pour le Web. Des exercices de réalisation permettent de développer une vision et une pensée critique dans la création médiatique pour le Web. Le volet diffusion familiarise les étudiants aux caractéristiques de la plateforme de diffusion (site dédié, site de distribution spécialisé et/ou grand public, etc.) et à ses modalités de diffusion (médiation, interactivité, sérialité et complémentarité).
Formule pédagogique : Atelier
7CIN375 Analyse de films
Introduire aux aspects fondamentaux du langage cinématographique et audiovisuel et aux principes de l'esthétique de la création audiovisuelle. Approfondir les figures et les modes de fonctionnement langagier audiovisuel. Développer une analyse de la mise en scène et de sa mise en images et du rapport entre le scénario et le film.
Analyses de films et découverte de différentes démarches analytiques élaborées par la pensée critique. La multiplicité des analyses permet de se confronter à la pluralité des lectures et à la résistance de l'oeuvre à l'analyse. Acquisition d'un vocabulaire et des instruments d'analyse.
Formule pédagogique : Cours Magistral
7CIN411 Jeu et direction d'acteur devant la caméra
Adapter le jeu théâtral aux impératifs propres au cinéma et à la vidéo. Apprendre à formuler clairement les directives en se familiarisant à différents registres de jeu cinématographique.
Atelier d'expérimentation des façons de diriger les acteurs dans des situations variées de jeu face à la caméra où il est demandé aux comédiens une précision rigoureuse de la mise en place, des marques techniques, et des intentions de jeu. L'écart entre ce qu'exprime un comédien et ce qu'enregistre la caméra. Un travail sur la dialectique maîtrise/abandon qui envisage des modes de préparation différents (de la répétition en amont du tournage à la découverte du texte sur le plateau). Sous la direction d'un professionnel, les étudiants, selon leur orientation disciplinaire, auront donc l'occasion de créer un langage commun de travail entre comédiens et réalisateurs.
Formule pédagogique : Atelier
7CIN420 Cinéma d'animation
Développer les instruments d'analyse et de création du genre d'animation. Initier aux techniques et à l'histoire de l'animation. Initier aux méthodes de travail depuis le développement du projet et la vision qui le fonde jusqu'à sa réalisation.
Au moyen d'analyses de films emblématiques, préciser les spécificités de chacun en fonction des techniques employées: dessin, papier découpé, volume, etc. Ainsi seront présentés les pionniers du genre (Winsor McCay, Emile Cohl) mais aussi les grands classiques Hollywoodiens (Walt Disney et Tex Avery), des productions historiques et contemporaines de l'Office National du Film, mais aussi l'animation japonaise contemporaine ou encore l'emploi de l'animation par les plasticiens. Des exercices de réalisation permettent de développer une vision et une pensée critique dans la création d'animation et de s'initier à ses formes et moyens d'expression.
Formule pédagogique : Atelier
7CIN422 Cinéma documentaire
Développer les instruments d'analyse et de création du genre documentaire. Initier aux méthodes de travail du documentaire depuis le développement du projet et la vision qui le fonde jusqu'à sa réalisation.
Au moyen d'analyses l'étudiant est initié au genre documentaire et à ses principes de base (le point de vue, l'approche, l'observation, le personnage), aux mouvements et aux écoles esthétiques qui ponctuent l'approche documentaire. Des exercices de réalisation permettent de développer une vision et une pensée critique dans la création documentaire et de s'initier à ses formes d'expression: la mise en situation, la situation, l'événement, l'entrevue, la narration, les formes graphiques, les archives. Le volet diffusion familiarise les étudiants aux différentes plateformes de création et de diffusion.
Formule pédagogique : Atelier
7CIN513 Cinéma expérimental et art vidéo
Initier à la dimension historique et théorique des divers apports du cinéma expérimental de l'avant-garde européenne à l'avant-garde américaine jusqu'au film structurel. Familiariser avec le répertoire vidéographique depuis la naissance de l'art vidéo. Amener à la compréhension de la vidéographie dans sa spécificité et dans ses rapports avec les autres médiums ou disciplines artistiques. Faire explorer, par la production d'exercices pratiques, un certain nombre de voies esthétiques ouvertes par ces multiples expérimentations au cinéma expérimental et en art vidéo.
Le cinéma expérimental et l'avant-garde européenne des années 1920 : Mouvement plastique et abstraction (Man Ray, Fernand Léger, Viking Eggeling, Ruttman), dadaïsme et surréalisme (Bunuel, Dulac, Cocteau). L'avant-garde américaine (Deren, Anger, Brakhage). Le film structurel (Kubelka, Sharits, Rose, Rimmer, Snow). Débuts de l'art vidéo : Vostell et Paik, Viola. La vidéo en Europe, aux États-Unis, au Canada et au Québec. Spécificité du médium, ses rapports avec la télévision, le cinéma, les arts visuels et numériques. La production de divers exercices pratiques et la production d'une vidéo expérimentale.
Formule pédagogique : Atelier
7THE104 Atelier de jeu théâtral
Initier au jeu théâtral à partir d'un travail de préparation, et acquérir certaines techniques de jeu traditionnelles et contemporaines. Développer la créativité de l'acteur. Aboutir à un travail d'interprétation.
Apprentissage de la préparation au jeu de l'acteur (exercice d'écoute et de réchauffement du corps, voix, espace, rythme, groupe, médiation technologique), initiation à des techniques spécifiques (masque, mime, théâtre d'objet.). Application de ces apprentissages à travers des situations improvisées et performatives. Préparation de courtes scènes à partir de textes classiques et contemporains mais aussi à partir de situations dramatiques (théâtre interdisciplinaire, théâtre performatif) qui permettront une application contemporaine de la tradition du jeu au théâtre. Présentation devant un public restreint.
Formule pédagogique : Atelier
7THE105 Histoire de la mise en scène au théâtre
Connaître les grandes étapes de l'évolution de la mise en scène au théâtre depuis son apparition, à la fin du XIXe siècle, jusqu'à aujourd'hui.
Étude de la préhistoire de la mise en scène et des conditions de son apparition. Le metteur en scène à l'origine de la modernité théâtrale; présentation de quelques grands courants, analyse du travail et des écrits des metteurs en scène qui s'y inscrivent: réalisme naturaliste et psychologique; école russe; théâtre symboliste; théâtre épique; théâtre pauvre; théâtre performatif et théâtre postdramatique. Ouverture à la diversité d'une histoire contemporaine où la mise en scène s'inscrit de plus en plus dans le mouvement dit des arts vivants (danse, cirque, performance, spectacle) à partir de metteurs en scène représentatifs.
Formule pédagogique : Cours Magistral
7THE117 Analyse dramaturgique du théâtre au Québec
Fournir les outils nécessaires pour appréhender l'histoire du théâtre au Québec à partir d'un travail dramaturgique (réflexion et analyse) de textes dramatiques représentatifs et des créations qui en découlent (soit en allant assister à des représentations, soit à l'aide de documents audiovisuels). Mettre l'accent sur la période contemporaine pour faire cas de différents genres (théâtre dramatique, théâtre d'objet, théâtre collectif, théâtre danse, théâtre performatif, théâtre d'installation), de différentes esthétiques (classique, interdisciplinaire, technologique, performative, etc.) et de certaines idéologies (l'aspect engagé du théâtre au Québec).
Initiation aux techniques d'analyse dramaturgique pour mieux repérer la construction du texte et la poétique d'une oeuvre scénique; étude des différents mouvements dramaturgiques à travers l'analyse de textes et de spectacles représentatifs de l'histoire du théâtre au Québec; sensibilisation à la situation actuelle «des théâtres» québécois en région (formation, conditions de production) qui donnera lieu à des rencontres avec des professionnels de la scène théâtrale.
Formule pédagogique : Cours Magistral
7THE130 Atelier de création théâtrale
Faisant suite à l'atelier de conception théâtrale, l'atelier de création théâtrale permettra de réaliser en petits groupes la mise en scène du projet préalablement proposé. Expérimenter toutes les étapes de la création théâtrale jusqu'à sa représentation publique.
Sous la direction d'un professeur, formation et exploration des moyens propres à la mise en scène. Approfondissement des connaissances théoriques et des compétences techniques. Présentation, dans les conditions (techniques voire esthétiques) imposées par le professeur, d'un court spectacle qui témoigne du processus de création et des choix esthétiques énoncés dans le projet. Prise en charge de toutes les étapes d'une production théâtrale: répétitions, représentations, médiations.
Formule pédagogique : Atelier
7THE232 Atelier de conception théâtrale
Explorer sous forme pratique et théorique la dramaturgie d'un thème ou d'un texte soumis par le professeur. Concevoir à travers un discours artistique articulé un dossier de mise en scène pour la création d'un projet théâtral. Présenter publiquement, en plus du dossier, une synthèse de son projet.
Acquisition de connaissances théoriques et de références esthétiques. Formation à des techniques spécifiques (artiste professionnel). Expérimentation pratique d'intentions dramaturgiques. Conception en petits groupes et sous la direction du professeur d'un projet de mise en scène qui énumère les composantes inhérentes à la conception théâtrale (choix esthétiques, techniques, organisationnels, technique de jeu, traitement de l'espace (scène et salle), conception pour la lumière, le son, le costume.). Présentation d'une synthèse de son projet à travers un dossier, une maquette scénographique et une courte mise en jeu scénique.
Formule pédagogique : Atelier
7THE402 Atelier d'écriture dramatique et de scénarisation
Explorer divers procédés d'écriture dramatique et de scénarisation. Situer l'étudiant dans un contexte de création favorisant ses capacités d'imagination, de dramatisation, de narration en vue de l'écriture d'un texte dramatique ou scénaristique.
Travaux à partir de différentes stimulations: faits divers, textes classiques, éléments langagiers, improvisations, etc. Essais d'adaptation d'une nouvelle. À l'occasion de ces exercices pratiques, réflexions sur les éléments fondamentaux du langage dramatique (récit, personnage, situation, dialogue). L'écriture dramatique dans son rapport avec le cinéma: le scénario, ses lois et ses étapes. Production, au choix, d'un court texte dramatique ou d'un scénario.
Formule pédagogique : Atelier
7THE505 Création théâtrale
Créer une œuvre théâtrale sous la direction du professeur ou d'un metteur en scène professionnel invité.
Approche pratique des diverses étapes de la réalisation d'un spectacle, depuis les premières lectures jusqu'à la présentation publique; mise en place de laboratoire technique et esthétique; formation à certaines techniques spécifiques au théâtre; appropriation du projet esthétique du metteur en scène; apprentissage des conditions professionnelles de production théâtrale (répétitions, représentations, médiation) L'étudiant aura le choix du poste: interprétation, scénographie, assistant, régie, conception (éclairage, son, image, costume.), médiation, etc.
Formule pédagogique : Atelier